L’écho des racines est un projet chorégraphique issu d’un dialogue fécond entre le flamenco et la gigue québécoise. Rassemblant huit danseur·euse·s et musicien·ne·s chevronné·e·s, l’œuvre explore les liens qui unissent de manière implicite ces deux traditions, tout en questionnant les limites qui les définissent dans le temps et l’espace. Sur scène, les interprètes évoluent au cœur d’un réseau de laine qui se transforme progressivement au fil de leurs échanges. Inspirée par un phénomène souterrain observé dans les forêts, la laine symbolise les hyphes (racines des champignons), lesquelles permettent aux arbres de communiquer sur de grandes distances à même leurs racines par l’entremise de la mycorhize. À l’image des champignons, L’écho des racines illustre avec poésie et dans une approche contemporaine la mutation perpétuelle des formes traditionnelles nourries par une infinité de connexions, d’influences et de vécus.

 

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Crédits

Chorégraphie Sarah Bronsard | Interprètes et musiciens Olivier Arseneault, Sarah Bronsard, Thierry Clouette, Henry Garf, Dâvi Simard, Antoine Turmine, Alexandra Templier, Rocio Vadillo | Éclairages William Couture

À propos de La Sporée / Sarah Bronsard

La Sporée / Sarah Bronsard est une compagnie de création qui a pour mandat de soutenir les projets chorégraphiques de Sarah Bronsard. À l’image d’une sporée, qui consiste à recueillir les spores d’un champignon pour en découvrir la couleur en vue de l’identification, La Sporée / Sarah Bronsard propose des œuvres qui sondent et révèlent des phénomènes invisibles, transitoires et fertiles, par l’entremise du corps dansant. Comme un champignon qui est la fructification d’une infinité de connexions cachées et invisibles, chaque création est l’occasion de révéler ce qui naît de la rencontre. Ainsi, pour explorer la tension fertile de l’« entre » qui se révèle entre les êtres, entre les états de corps, entre les traditions et entre les disciplines artistiques, La Sporée / Sarah Bronsard privilégie la co-création et la collaboration.

Pour Sarah Bronsard, le rapport à la danse et au mouvement s’est enraciné dans le flamenco, art fougueux, rigoureusement codifié où la danse et la musique sont intimement liées. Par son jeu constant de montées en tension et de relâchements explosifs, le flamenco attise en elle un état de désir, d’aller-vers; une tension intervallaire qui se renouvelle sans cesse dans un rapport érotique au vivant. Plutôt qu’une dureté qui freine le mouvement, le flamenco lui enseigne à percevoir la tension comme une constante adaptation, vivante, entre contraction et expansion. Sous la fulgurance du flamenco se cachent des processus silencieux, intimes, profonds et cachés qui sont explorés dans les projets de La Sporée / Sarah Bronsard.

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À propos de BIGICO

Depuis 2005, la BIGICO est un diffuseur spécialisé qui soutient et orchestre le développement du mouvement de la gigue contemporaine. La BIGICO rassemble plusieurs visions chorégraphiques assurant la vitalité d’un mouvement en constante mutation. Une gigue d’art, constamment régénérée, sous l’emprise de la recherche, dans un vif esprit de modernisation. La BIGICO joue un rôle d’ambassadeur pour faire redécouvrir toute la richesse qui émane de ce fleuron de notre patrimoine. Cette langue des pieds nous appartient encore, une langue commune qui fait courir le bruit de sa pertinence dans la société québécoise d’aujourd’hui.

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Presse et média

Pour toute demande média et presse, merci de contacter Clara Bich, directrice des communications du Théâtre Aux Écuries :
communication@auxecuries.com

 

Les finissant·e·s en Interprétation théâtrale et Production scénique du Cégep de Saint-Hyacinthe profiteront du Théâtre Aux Écuries pour vivre une expérience pédagogique, à l’extérieur de leur lieu de création. Il·elle·s vous invitent à la pièce Alice !

Les aventures d’Alice sont bien connues. Le premier roman, destiné à un lectorat adulte, a été écrit par Lewis Carroll en 1865. Il y raconte l’histoire d’Alice qui s’aventure dans le pays des merveilles. Disney a rendu célèbre cette épopée où la petite Alice rencontrait le lapin blanc, le Chapelier fou et la Reine de cœur. D’abord en 1951, dans un long métrage d’animation. Puis en 2010, alors que Tim Burton réalisait un film entremêlant prises de vue réelles et animation.

En 2022, Emmanuelle Jimenez s’empare de ces récits pour les amener sur la scène du Trident à Québec où le spectacle a été créé. Elle nous propose un conte philosophique qui met de l’avant les aliénations de notre société actuelle. Un plaidoyer en faveur de l’enchantement et de l’imagination.

Un magnifique voyage dans le fantastique pour les finissant·e·s en interprétation et en production de l’École de théâtre du Cégep de Saint-Hyacinthe.

 

 

 

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Crédits

Texte Emmanuelle Jimenez | Librement inspiré des œuvres de Lewis Carroll | Mise en scène Gabrielle Lessard | Distribution Louis Carrier, Amélie Demers, Nicolas Faguy, William Lagrange, Lauréline Lafond, Léane Landreville, Marc-André Lemay, Léa Létourneau-Touchette, Jacob Lévesque, Mirka Pouliot, Félix Provencher, Catherine Simon, Justine Tétrault | Assistance à la mise en scène Zach Heldy Soupraya | Direction technique et Direction de production Noémie Fournier | Conception d’éclairage Océane Savoie | Conception costume Victoria Laberge | Conception de son Mickael Paré | Conception accessoires Cédric Lord et les étudiants de 2ème année | Scénographie Cassandre Chatonnier

En savoir plus

L’autrice Emmanuelle Jimenez a suivi une formation en interprétation au Conservatoire d’art dramatique de Montréal. Tout en continuant d’exercer le métier de comédienne, elle se consacre aujourd’hui essentiellement à l’écriture. Parmi ses textes les plus récents, on compte Bébé, Centre d’achats et Cendres.

Gabrielle Lessard signe la mise en scène de cet ultime spectacle de la saison. Diplômée du Conservatoire d’art dramatique de Montréal, elle s’investit dans la création et s’intéresse autant à l’écriture qu’à la mise en scène parallèlement à sa carrière d’interprète. Dernièrement, on a pu voir Brefs entretiens avec des femmes exceptionnelles, Et puis par la fenêtre, nous pourrons voir les champs et Guide d’éducation sexuelle pour le nouveau millénaire.

L’école professionnelle de théâtre du Cégep de Saint-Hyacinthe permet de monter sur scène, de travailler à l’écran ou au micro, mais aussi d’œuvrer à la conception et la production.

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Nos porte-paroles d’honneur, Karine Gonthier-Hyndman et Jean-François Prince vous convient à l’Exposition-Universelle-Bénéfice du Théâtre Aux Écuries, pour souligner la fin de notre campagne de financement. N’hésitez pas à soutenir la relève artistique en participant à notre campagne de financement qui débute fin septembre, ou bien en faisant un don, tout au long de l’année. Les billets pour assister à cette incroyable soirée seront très bientôt à la vente (Un reçu de charité de 125$ sera remis pour chaque billet acheté).

 

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En partenariat avec le Théâtre Aux Écuries, VOUS ÊTES ICI / YOU ARE HERE est une résidence intensive de création pluridisciplinaire dédiée aux diplômé·e·s des différents programmes d’arts vivants de la métropole, ainsi que pour les artistes en début de carrière dont le cheminement n’aurait pas été académique. Regroupant jeunes créateur·trice·s de la relève en danse, en théâtre, en performance et en cirque, cet événement a pour vocation la rencontre et la découverte de pratiques artistiques. Cet événement est l’occasion pour les jeunes créateur·trice·s d’expérimenter et d’approfondir leur démarche artistique à travers l’élaboration d’un projet. VOUS ÊTES ICI est à la fois lieu de rencontre et panorama de ce qui est à venir.

 

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Participer aux Sessions Larsen

Les sessions Larsen seront tenues afin que les équipes artistiques récoltent des commentaires constructifs pour la suite de leur travail. Ce sera l’occasion pour les spectateur·trice·s ayant assisté à la Première de prendre part au processus de création en partageant leur expérience et leurs commentaires sur les différentes propositions, et pour les artistes de nourrir leur travail grâce à un échange approfondi avec le public.

 

Vous voulez participer aux sessions Larsen ? Elles sont ouvertes à tout le monde !

→ Samedi 4 novembre, 11h30

→ Entrée gratuite

 

Crédits

Un événement présenté par la Fondation RBC, produit par La SERRE – arts vivants en codiffusion avec le Théâtre Aux Écuries.

LA SERRE – arts vivants remercie le Conseil des arts et des lettres du Québec, le Conseil des arts du Canada, le Conseil des arts de Montréal de son appui financier et la compagnie de théâtre Les 2 Mondes pour le prêt du studio du LAB2M.

À propos de LA SERRE - arts vivants

Parce qu’elle croit que l’art est essentiel pour lier l’individu à sa communauté, LA SERRE – arts vivants est un pôle de création qui provoque des rencontres et qui met à la disposition des artistes émergents des environnements favorables à la création d’œuvres significatives ainsi qu’à leur rayonnement.

LA SERRE est un incubateur structurant pour l’amélioration des conditions d’exercice des artistes émergent.e.s en arts vivants. Elle les accompagne dans le déploiement de leurs œuvres à partir de l’idéation jusqu’à leurs rencontres avec les publics. Elle aide l’artiste à développer son autonomie, sa maturité organisationnelle et son indépendance artistique. LA SERRE agit comme activateur de collaborations entre les artistes et les différents partenaires locaux, nationaux et internationaux ainsi qu’entre les artistes de différentes disciplines artistiques et d’autres secteurs d’activités. Artistiquement, LA SERRE privilégie des projets qui tissent des liens évocateurs entre les arts et la société et qui favorisent la rencontre entre les différents champs disciplinaires et sectoriels

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Ce spectacle documentaire solo place Jocelyn Sioui au cœur de l’Histoire. Il tire sur les petits et grands fils du récit de son grand-oncle, mais aussi de l’histoire méconnue des autochtones du XXᵉ siècle. Entouré d’écrans et de maquettes qui s’animent de personnages historiques et d’images, il nous emporte au fond d’une boîte d’archives d’où l’on ressort changé·e.

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Programme du spectacle
Crédits

Auteur, interprète, marionnettiste et metteur en scène Jocelyn Sioui | Assistance à la mise en scène Ariane Roy | Direction technique et régie son et lumière Yannick St-Jean | Régie vidéo Vincent Papineau | Scénographie et confection des marionnettes et accessoires Mélanie Baillairgé | Narration et voix Éric Desjardins | Conception vidéo Gaspard Philippe | Conception et composition sonores Luzio Altobelli | Conception d’éclairage Mathieu Marcil

À propos de Jocelyn Sioui

Créateur et rassembleur, Jocelyn est membre fondateur de Belzébrute, un «band» de théâtre. Auteur-concepteur-interprète de Shavirez (plus de 250 représentations), Le Tsigane des mers (2008), Manga (2011) et de Mr P (2013), ses œuvres ont pu être appréciées un peu partout au Canada et en France. L’originalité de sa démarche lui a valu de nombreuses distinctions, dont le grand prix du jury au OFF/Festival Mondial des Théâtres de Marionnettes de Charleville-Mézières lors du passage de Shavirez en 2013.

En plus d’être marionnettiste, comédien et auteur, Jocelyn est fondateur et directeur du OUF! Festival Off Casteliers, festival dédié aux arts de la marionnette qui est devenu le plus grand rassemblement de marionnettistes au Canada. Il est l’un des très rares marionnettistes autochtones au Québec. Mononk Jules, qui est publié aussi aux Éditions Hannenorak, est son premier spectacle solo.

 

Site internet
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Presse et média

Pour toute demande média et presse, merci de contacter Isabelle Bleau, relationniste de presse :
isabelle.bleau@bellnet.ca
Tel : 514 933-2523 / Cell : 514 992-8319

 

 

Se retrouver autour d’un goûter à saveur autochtone pour clore le festival des Autochtoneries d’Aux Écuries avec comme invité d’honneur, l’aîné Omer St-Onge.

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De la fin des années 1800 jusqu’en 1996, date de la fermeture du dernier pensionnat autochtone, plus de 150 000 enfants autochtones ont été retiré·e·s de leurs familles pour être instruits par des groupes religieux. Après des décennies, voire des siècles d’oppression, les artistes autochtones sont aujourd’hui au front pour la survie de leur héritage culturel. Omer St-Onge est l’un de ceux-là.

Membre de la communauté innu de Malioténam, il est auteur, trappeur, chasseur, pêcheur en haute-mer et… survivant des pensionnats. UTEI : Récit d’un survivant est un témoignage autobiographique qui prend forme par le théâtre. Le synopsis est celui de son parcours, de son enfance sur le territoire avec sa famille, en passant par les pensionnats, jusqu’à aujourd’hui. Il dit notamment « Je suis ce qu’on appelle un survivant, et le témoignage des survivants à ceci de spécifique : il est multiple. Je ne porte pas que mon histoire. Je porte aussi par ma voix, le témoignage de tous·tes celles et ceux qui n’ont pas pu s’en sortir ». Il ajoute « Ce processus de création est pour moi le meilleur moyen de revisiter nos traumas collectifs de façon à respecter l’être humain. »

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Crédits

Texte et interprétation Omer St-Onge | Mise en scène Xavier Huard | Conception d’éclairage, assistance à la mise en scène et éclairage Delphine Rochefort | Conception sonore Etienne Thibeault

À propos des Productions Menuentakuan

Les productions Menuentakuan se proposent, en se servant des codes de représentations du théâtre et de la performance, d’être un point de rencontre entre la culture des Premières Nations du Canada et les autres cultures qui viennent enrichir l’identité Canadienne et Québécoise. Les mandats de la compagnie sont :

  • Créer, produire et diffuser des spectacles
  • Promouvoir les arts de la scène autochtone
  • Promouvoir les échanges et les collaborations entre les peuples autochtones et non-autochtones par le biais d’événements artistiques
  • Offrir des ateliers de création artistique.

Toujours dans le but de créer et d’encadrer une rencontre intime et signifiante entre ces deux réalités qui se côtoient, la compagnie aborde ses créations de façon à mettre en valeur le regard des peuples autochtones sur des thèmes universels contemporains.

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Au lendemain des polémiques entourant le spectacle Kanata, l’artiste allochtone Geneviève Bélisle se demande comment le théâtre peut devenir un territoire de rencontre allant au-delà des sensibilités culturelles et des notions d’appropriation culturelle et de liberté de création. Avec la complicité de l’artiste québécois et wolastoqey Dave Jenniss, elle plonge dans ses souvenirs pour questionner son propre rapport aux Premières Nations et mieux comprendre l’impact de la transmission sur l’apprentissage de l’histoire d’une nation. Elle ouvre du même coup un espace où s’entrecroisent la fiction et le réel ainsi que l’intime et l’universel afin de faire naître un dialogue prometteur.

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Crédits

Texte Geneviève Bélisle | Soutien dramaturgique et mise en lecture Dave Jenniss | Distribution Geneviève Bélisle et Dave Jenniss | Ce texte a été créé dans le cadre d’une recherche-création soutenue par le Fonds de recherche du Québec – Société et culture (FRQSC)

À propos des Productions Menuentakuan

Les productions Menuentakuan se proposent, en se servant des codes de représentations du théâtre et de la performance, d’être un point de rencontre entre la culture des Premières Nations du Canada et les autres cultures qui viennent enrichir l’identité Canadienne et Québécoise. Les mandats de la compagnie sont :

  • Créer, produire et diffuser des spectacles
  • Promouvoir les arts de la scène autochtone
  • Promouvoir les échanges et les collaborations entre les peuples autochtones et non-autochtones par le biais d’événements artistiques
  • Offrir des ateliers de création artistique.

Toujours dans le but de créer et d’encadrer une rencontre intime et signifiante entre ces deux réalités qui se côtoient, la compagnie aborde ses créations de façon à mettre en valeur le regard des peuples autochtones sur des thèmes universels contemporains.

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À propos de Geneviève Bélisle

Geneviève Bélisle œuvre depuis près de vingt-cinq ans dans le domaine du théâtre québécois, que ce soit comme actrice, médiatrice culturelle, conseillère à la dramaturgie et, plus récemment, autrice. Sur les planches, on a pu la voir dans des productions du Théâtre Denise-Pelletier, de La Bordée, de la Cinquième Salle de la Place des Arts, du Théâtre du Vaisseau d’Or, du Rideau vert et du Théâtre des Ventrebleus, compagnie qu’elle a cofondée et codirigée et qui a produit une quinzaine de créations.

Son rôle de médiatrice culturelle au sein de plusieurs organismes, dont le Théâtre Le Clou et la Maison Théâtre, lui a permis d’accompagner une ribambelle d’enfants et d’adolescents dans leur découverte des arts de la scène. Depuis 2019, elle occupe cette fonction au Festival TransAmériques (FTA). Son grand intérêt pour la transmission l’a également amenée à enseigner le théâtre dans les contextes scolaire et communautaire. Elle est aussi chargée de cours à l’École supérieure de théâtre de l’UQAM et professeure invitée à l’École de théâtre professionnel du collège Lionel-Groulx.

Passionnée par la recherche, elle a réalisé une recherche-création dans le cadre d’une maîtrise en théâtre (écriture dramatique) à l’UQAM portant sur la mémoire et l’histoire du Québec et abordant les écritures de plusieurs grandes figures, dont Gilles Vigneault, Félix Leclerc, Michel Tremblay et Joséphine Bacon. Grâce à une bourse du FRQSC, elle a débuté en 2019 un doctorat en études et pratiques des arts dans cette même université. Avec son projet de thèse-création, elle cherche à mettre en lumière l’existence de cultures invisibilisées, ici celles des Premières Nations, et à favoriser une rencontre artistique respectueuse entre Allochtones et Autochtones allant au-delà des sensibilités culturelles. Le théâtre représente pour elle une forme d’engagement citoyen et une invitation à prendre part au dialogue.

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Un livre peut-il être vivant ? Peut-il rapprocher les gens d’une même famille ? Comment une grand-mère Innue, une Kukum, en arrive-t-elle à révéler une vérité qu’elle est seule à détenir ? Vingt ans auparavant, son fils Pierre a disparu après avoir vandalisé un pipeline qui passait sur le territoire de chasse de sa communauté. Pourquoi a-t-il laissé à sa mère un livre, un Mashinikan, pour qu’elle le remette à sa fille Kaylie lorsque cette dernière sera adulte ?

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Programme du spectacle
Bande-annonce

Crédits

Texte et mise en scène Marco Collin | Traduction innu-français Bertha Basilish | Assistance à la mise en scène et régie Félix-Antoine Gauthier | Décors Geoffrey Levine | Costumes et direction de production Serge Lapierre | Assistant-costumes Victor Rodriguez | Éclairages Thomas Godefroid | Musique et environnement sonore Larsen Lupin et Nimuk Kanapé | Direction technique et régie Pierre Tripard | Chant de Kukum Alice Germain | Conception d’illustrations Chantale Boulianne | Conception d’ombre Dany Lefrancois | Construction des décors et accessoires Martin Gagnon | Graphisme Sophie Kurtness | Codirection artistique Marco Collin et Benoit Lagrandeur | Production Les Productions Menuentakuan et Théâtre La Rubrique | Distribution Isabelle Miquelon, Alexia Vinci, Ximena Ferrer Olaso, Kathleen Aubert, Christian Ouellet, Mamoudou Camara

À propos des Productions Menuentakuan

Les productions Menuentakuan se proposent, en se servant des codes de représentations du théâtre et de la performance, d’être un point de rencontre entre la culture des Premières Nations du Canada et les autres cultures qui viennent enrichir l’identité Canadienne et Québécoise. Les mandats de la compagnie sont :

  • Créer, produire et diffuser des spectacles
  • Promouvoir les arts de la scène autochtone
  • Promouvoir les échanges et les collaborations entre les peuples autochtones et non-autochtones par le biais d’événements artistiques
  • Offrir des ateliers de création artistique.

Toujours dans le but de créer et d’encadrer une rencontre intime et signifiante entre ces deux réalités qui se côtoient, la compagnie aborde ses créations de façon à mettre en valeur le regard des peuples autochtones sur des thèmes universels contemporains.

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À propos du Théâtre La Rubrique

Dès ses débuts, un producteur…

Fondé en 1979, le Théâtre La Rubrique a d’abord puisé son inspiration dans le théâtre d’intervention et les textes d’une de ses fondatrices, Marielle Brown. Par la suite, La Rubrique a mis à l’honneur les nouveaux textes québécois et participer à l’émergence de nouveaux auteurs. D’abord en troupe itinérante, puis en tant que compagnie du charmant Café-Théâtre Côté-Cour (rebaptisé Espace Côté-Cour) et finalement compagnie résidente du Centre culturel, le Théâtre La Rubrique s’est taillé une place dans le cœur d’un public grandissant.

À La Rubrique, notre choix des textes ne se fait pas en fonction d’une esthétique particulière, mais plutôt – au-delà de l’intérêt suscité par le contenu, la théâtralité de la langue et de la structure de ces œuvres – sur la possibilité d’explorer à chaque fois de nouvelles formes. Nous recherchons l’esthétique la plus porteuse pour une parole et sa théâtralité. Avant tout, nous souhaitons transmettre à nos spectateurs un aperçu de la diversité des courants de la dramaturgie québécoise et des approches esthétiques des metteurs en scène d’ici.

… puis un diffuseur spécialisé…

À la saison 2002-2003, le Théâtre La Rubrique subit un important changement. Après avoir collaboré à la rénovation du Centre culturel du mont Jacob et à la construction de la salle Pierrette-Gaudreault, la compagnie ajoute à son mandat en création/diffusion celui de diffuseur spécialisé en théâtre. De nouvelles possibilités voient le jour : programmations pour le public scolaire, spectacles de danse contemporaine, en arts du cirque, en arts pluridisciplinaires, bref tout art puissant aux codes théâtraux qui nous interpelle, sans oublier, bien sûr, les arts de la
marionnette. À la base de tous nos choix, nous pensons toujours à l’expérience humaine et artistique dans laquelle nous nous engageons et avec laquelle nous voulons rejoindre le spectateur de tous les âges. Pour le nourrir, le stimuler, lui faire apprécier les arts vivants dans un rapport de proximité et d’échange avec les
créateurs.

… et maintenant un producteur événementiel

En 2013, La Rubrique est amené à prendre les rênes du Festival international des arts de la marionnette et à insuffler une nouvelle dynamique à cet événement théâtral international marquant du paysage culturel régional depuis 1989. Gagnant
en notoriété à chaque édition, le FIAMS – Festival international des arts de la marionnette à Saguenay fait maintenant partie des festivals incontournables en Amérique du Nord.

Mission et valeurs

Créer, diffuser et promouvoir le théâtre sous toutes ses formes. Donner à la population du Saguenay-Lac-St-Jean un accès direct à des cultures diverses, à des œuvres artistiques et à des processus de création de qualité professionnelle. Offrir une plate-forme de diffusion nationale et internationale pour les artistes et les créateurs québécois œuvrant dans le développement du théâtre et des arts de la marionnette.

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Pour éviter l’ivresse des profondeurs, il faut parler à quelqu’un, ou répéter les mêmes gestes et être plusieurs. Lorsqu’on est seul·e, le temps se réduit, s’étire, et la perception se trouble… À travers des récits entremêlés à la manière des Mille et Une Nuits, ce spectacle parle avec poésie des problématiques du Moyen-Orient, de la place des femmes et de leurs manières de contester. Parler, c’est ce que font Pârya, la livreuse de bidons de pétrole, Pâri, la sirène arrachée à la mer et Shéhérazade, s’adressant à son enfant.
Ici, les histoires s’enchaînent et s’entremêlent pour se retrouver intimement liées. Ces voix venues du fin fond d’un pays d’errance parlent de déplacement, d’où l’on vient et du choix d’où l’on vit. Ce choix qui n’en est pas un.

Cet événement est passé.

Programme du spectacle
On en parle dans la presse

« Située à la croisée du théâtre visuel et de l’art du conte, la créatrice,
metteure en scène et marionnettiste Sayeh Sirvani instaure un dialogue entre héritage
traditionnel et créations contemporaines convoquant ainsi un monde fantasmagorique
empreint d’une simplicité époustouflante et d’une esthétique percutante » Francesco Chiaro, teatro.persinsala.it

Crédits

Spectacle présenté en co-diffusion avec Casteliers | Mise en scène, interprétation, construction Sayeh Sirvani | Écriture Mahmoud Ahadinia, Leyla Hekmatnia | Co-production Le Tas de Sable – Ches Panses Vertes  | Production Compagnie 1001 | Traduction et adaptation Sayeh Sirvani, Coraline Charnet | Assistance mise en scène Coraline Charnet | Regard extérieur Nicole Mossoux | Création sonore Alex Derouet | Création lumière et technique Antoine Lenoir | Composition musicale Parva Karkhaneh | Traduction anglaise Teresa Ondruskova | Production déléguée Festival mondial des Théâtres de marionnettes de Charleville-Mézières | Avec le soutien de l’institut international de la marionnette, du LEM, du Théâtre Louis Jouvet et de la Compagnie Mossoux-Bonté

À propos de Compagnie 1001 et de l'artiste Sayeh Sirvani

À la croisée du théâtre de marionnettes et de l’art du conte, inspirée de la culture iranienne pour faire dialoguer cet héritage traditionnel avec la création contemporaine.


Metteuse en scène et marionnettiste née en Iran, Sayeh Sirvani intègre d’abord les Beaux-Arts en 2009, à l’université de Téhéran, dans la section théâtre de marionnettes. Puis en 2019, elle obtient son diplôme de l’École nationale supérieure des Arts de la Marionnette de Charleville-Mézières en France.  Sayeh Sirvani vit en France depuis 2015, d’abord à Charleville-Mézières, puis maintenant à Strasbourg. En plus d’avoir fondé la Compagnie 1001 en 2021, elle est artiste associée à l’Espace 110 au Centre culturel d’Illzach. Avec sa compagnie, Sayeh Sirvani veut croiser le théâtre de marionnettes avec l’art du conte, en s’inspirant de l’héritage de la culture persane, afin de faire dialoguer cette culture traditionnelle avec l’art contemporain. Elle tisse de nouveaux récits et interroge la situation politique contemporaine, la violence de l’Histoire dans les guerres et les dictatures, la place de la religion dans nos sociétés et les droits des femmes. 

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À propos de Casteliers

Bien ancré dans la métropole montréalaise, Casteliers se consacre à la diffusion des arts de la marionnette, à l’affût des créations les plus marquantes d’ici et du monde entier, pour la plus grande fascination des adultes ou des enfants.

Visionnaire, Casteliers est cofondateur de la Maison internationale des arts de la marionnette (MIAM), un lieu identitaire où il donne vie à une saison et à un festival annuel qui se déploient dans toute la ville, à des résidences de création, à des ateliers et à d’extraordinaires collaborations internationales. Casteliers tisse des liens porteurs avec les milieux artistiques du Québec, du Canada et de l’étranger. Il oeuvre à une pleine reconnaissance de la marionnette comme un art d’exception, millénaire et contemporain, le 11e art.

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